RIgoletto!

Rigoletto!

 

Semana Santa en Petare

Esta Semana Santa tuve la oportunidad de dictar un curso de fotografía nivel 2 en RMTF, Caracas. La asistencia fue  tremenda. Conformamos un grupo de 24 estudiantes en pocos días de anunciado el curso. La gran mayoría tenía poco tiempo fotografiando. Solo un puñado habían hecho varios cursos dentro de la escuela y querían aprovechar la oportunidad para trabajar en un lugar nuevo. El curso fue todo un éxito. A pesar de las aprehensiones de ir a fotografiar un lugar supuestamente peligroso, los temores se disiparon tan pronto los alumnos pisaron la plaza del casco histórico de Petare. No habían pasado 10 minutos cuando cada uno de ellos había conseguido algo qué fotografiar. Pero lo que más me asombró fue la destreza y rapidez con que los estudiantes retrataron a la gente que poblaba la plaza. Yo por mi parte, tuve muy poco tiempo para fotografiar ya que tenía que atender a cada estudiante. En la próxima entrega mostraré una foto de cada participante para que puedan apreciar su potencial. Mientras les pongo unas poquitas que pude hacer.

 Vitral de la Iglesia Dulce Nombre de Jesús

 Asistentes a la procesión del Via Crucis, Pueblo de Petare

 Señora Josefa Guía. Habitante del Pueblo de Petare desde hace 55 años

Asistente a la procesión del Via Crucis

Zhang Kechun: El Rio Amarillo

Zhang Kechun: El Rio Amarillo

El Rio Amarillo o Hwang He es el segundo rio más largo de China y considerado como la cuna de su civilización.  Se extiende por unos 5.464 kilómetros y recorre el país desde las montañas Bayan Har en el oeste hasta llegar al Mar Bohai en el este.  Es considerada la cuna de dicha civilización ya que en su cuenca, en el valle Wei, se asentaron las primeras poblaciones y por mucho tiempo fue la zona de mayor prosperidad de la historia moderna del país.

Sin embargo, también es llamado “Rio del desconsuelo” ya que debido a los constantes cambios de caudal, ha devastado y en algunos casos desaparecido poblaciones enteras bajo sus aguas.

Zhang Kechun, fotógrafo chino asentado en Chengdu, se ha paseado a lo largo de las riberas del Rio Amarillo los últimos dos años para fotografiarlo. Su peregrinación es comparable a las de Robert Frank para “The Americans”, Joel Sternfeld para “American Prospects”, o en tiempos recientes “Sleeping by the Mississippi” de Alec Soth.  En el caso del artista chino, viaja por períodos de un mes y su medio de transporte es una bicicleta en la que lleva su cámara de gran formato Linhof y suficiente película para no perderse de nada.  El resultado es un grupo de imágenes impecables, de gran sutileza, en donde pone en perspectiva la pequeñez del ser humano frente a la naturaleza, su grandeza y magnificencia, pero también su poder destructivo.  Fotografía lo cotidiano: gente nadando, recreándose, trabajando, construyendo.  Indirectamente registra los efectos del desarrollo desaforado del pueblo chino en el aire y en el agua.

Al igual que los Becher, Zhang produce sus imágenes en días nublados.  Además, sobre-expone las fotos para crear una sensación irreal, de otro mundo.  Junto con la polución, la luz filtrada por las nubes lo ayudan a crear imágenes en las que se percibe una dicotomía entre el bien y el mal, entre lo originario del rio y su poder destructivo, entre lo bello y lo pernicioso. 

http://zhangkechun.com/the-yellow-river/

Improvisto

Sobre la fotografía en el arte conceptual

Hace tiempo vengo peleando con la idea de la fotografía utilizada por artistas plásticos que la han adoptado como un medio de expresión más. En la mayoría de los casos siento que hay cierto desprecio por el medio fotográfico. En otros, se le da su valor justo sin más ni menos: una herramienta para la transmisión de ideas de índole artístico. Para comprender mejor el por qué este medio pasó de estar en manos de talentosos visionarios, amantes de la imagen y de la técnica fotográfica a manos de artistas cuyo interés por la fotografía se limitaba a evidenciar un gesto artístico en algunos casos, en otros para llenar un vacío que ha dejado la negación o abandono de la pintura como medio de expresión, comencé a estudiar las corrientes más recientes de fotoconceptualismo y la fotografía en el arte moderno. Uno de los artistas cuya obra más me incomodó por como utilizaba la fotografía fue John Baldessari. Baldessari es un artista americano muy importante, nacido en 1931. En una época decidió que no pintaría un cuadro más y decidió incinerar toda su obra. Este gesto lo llamó "The Cremation Project". A partir de entonces el artista norteamericano decidió que entre sus herramientas de expresión plástica utilizaría la fotografía. A continuación les presento "Trying to photograph a ball so that it is in the center of the picture".

A primera vista luce como una serie de fotos del cielo sin mucho sentido. Luego notamos que en todas hay esferas anaranjadas en el medio. ¿Qué es esto? Para muchos fotógrafos debe ser difícil de tragar semejante "profanación" de tantas convenciones en cuanto al lenguaje y estética fotográfica se refieren. No hay composición, no hay narrativa, la serie de 6 imágenes es repetitiva, no parece haber diálogo entre imágenes y la serie no ayuda a aclarar el propósito de ninguna de las fotos. Quizá el título de la obra nos ayude a dilucidar alguna idea presente...A lo sumo nos queda buscar "comprender" algo de la imagen, o pillar un guiño. Pero nada... Aquí está el comentario que Daniel Morzano hace en su fantástico libro "Arte Conceptual" que puede ayudarnos a entender el por qué de esta sensación de anti-plasticidad que muchas veces encontramos en la fotografía moderna "...dado el objetivo previsto de centrar al máximo la pelota en el encuadre, Baldessari se desentiende de cualquier otra decisión relacionada con la composición y consigue fotografías que nada tienen que ver con el problema de "qué queda bien junto a qué". Al igual que en su pintura, tampoco en su tratamiento de la fotografía son determinantes ni la habilidad artesanal, ni la innovación formal, sino la anulación estratégica o la no consideración expresa de las convenciones habituales. De este modo consigue Baldessari hallazgos plásticos que todavía conservan su frescor irónico y su fuerza de atracción estética". Luego rescato un pasaje que recoge críticas que se le han hecho al arte conceptual: "La división y equiparación de la concepción y de la plasmación material de la obra de arte han dado lugar a una desatención considerable de las habilidades artesanales del artista y al mismo tiempo abandonan la visión de la obra de arte como una formación estética cerrada en si misma" Estos cuestionamientos sobre la estética y la imagen resultante que el mismo Marzano recoge responden al problema planteado al principio. Luego encontré una cita de un comentario que hace Paul Graham en una ponencia en el MOMA, 16 febrero 2010 y que leí en la pagina web de Lisa Blackmore. www.lisablackmore.net "todavía existe gran parte del mundo del arte que simplemente no entiende la fotografía. Entienden los fotógrafos que usan fotografía para ilustrar sus ideas, sus instalaciones, sus performances y sus conceptos, que usan el medio como una de una gama de estrategias artísticas para completar su obra. Pero la fotografía en sí y que se hace para sí misma, la fotografía del mundo tal como es, se malinterpreta y se entiende como una colección de observaciones azarosas y momentos fortuitos, o se confunde con el fotoperiodismo bajo la etiqueta despectiva de fotografía “documental”. Para mí, el problema central del arte conceptual, como lo abordan tanto el último comentario de Marzano como Graham,es el divorcio entre la concepción y la plasmación de la obra. Quienes hemos aprendido la fotografía directa, su utilización en dichos ámbitos de creación artística nos crea serias dificultades en la comprensión tanto del lenguaje como del propósito. Sin embargo, al final de cuentas, quizá el problema sea de quienes solo entendemos la fotografía de una sola manera. Creo que entenderla sólo de una manera sería equivalente a cercenarla, limitarla, restringirla. Sería una pérdida para quienes la queremos libre de convencionalismos. Finalmente, me hago eco de una pregunta retórica de Marzano. "Es posible que el discurso sobre el arte sea arte a su vez?"